Una de carne dulce, por favor…!

Casi llegando a Marzo… o ya entrado el mes ya se me había calmado la Sweeneytoddmanía que me había agarrado desde que anunciaron la película y vi los carteles de mi actor favorito por toda la ciudad. Recién ahí pude ir a Lavalle y verla: Miércoles, 22:35 Hs.

Planes poco probables, por lo visto.

Lavalle todavía exhibía algunos transeúntes masticando grasientos choripanes, igual que yo.

Para esperar que empiece la película, me paro frente a un negocio grande, muy grande en el que venden bolsos de viaje, de mandados, de mano, de campamentos, flota-flotas, carritos de supermercado, chalecos antibalas, gorritas, bolsas de dormir y un montón de cosas más. Hay por lo menos cinco morochas adentro. Y yo comiendo el choripán. Me miran con ojos grandes. Yo sigo comiendo. Se rien y en ese momento desvío la mirada y veo, cerca de otra de las puertas del cine un chico. Una versión medio gordita y más urbana de Patrick Wolf del que ya les conté.

Tenía unos zapatos blanquinegros (muy a lo tanguero, comprados en San Telmo por 25 Euros), bermudas negras con botamangas, camisa con volados en la solapa, medio abierta, medias altas. En cuanto lo empecé a mirar curiosamente él me empezo a mirar a mi.

SEPANLO, ESO SIEMPRE ME PASA. A los dos minutos ya estaba junto a mí pidiendome fuego. El acento raro, raro; pensé que era yankee.

No, era de «ijrail» y no sé como pasó todo pero cantó. Se puso a cantar, inmediatamente después de preguntar que película iba a ver. Cantó el himno judío y un montón de canciones tradionales. Me enseñó a decir cosas simbólicas de buena educación y de hecho me hubiera gustado quedarme un rato más con él a ver si me daba su mail (Cuec!). Pero tuve que entrar.

No me arrepentía, no. Pochoclo en mano me dispuse a ver la peli y obviamente lo primero que vino a mis ojos fue la intro.

Esta promo se la re banca...

Como ya sabrán, Tim Burton se destaca por las presentaciones de sus películas… recuérdese la intro de Charlie & the Chocolate Factory con los chocolates cayendo de pequeños paracaídas blancos formando una coreografía sublime ante la privilegiada mirada de la cámara; o la modesta pero bellísima introducción de Edward Scissorhands con las galletitas apareciendo al ritmo de la música en la pantalla (che, que gastronómico que se volvieron estos recuerdos!). Nunca, nunca se priva, Burton de hacer estos derroches de talento (y de guita, obviamente) en las introducciones de los films: éstos siempre son un caso aparte de la historia, aunque muy relacionados, obviamente. El tipo se mata con sincronizaciones coreográficas, colores y una música que por lo general es maravillosa, que lleva usualmente la delantera y unas imagenes cuidadosamente elegidas para deleitar ojos y oídos.

La de Sweeney Todd es una excepcion y quiero poner el acento en la sangre falsa y fea esa que aparece ahi. No me voy a extender demasiado en críticas contra la película porque Burton ya se ha ganado en lugar de enfant terrible en la industria cinematográfica hollywoodense.

Por qué enfant terrible? No porque sus películas sean políticamente incorrectas, ni porque ose bardearla mal en ellas. Nada de eso. Es más, Tim Burton es una de esos directores que, por lo general te hacen ir al cine tranquilo de que por más chillona y alocada que sea la película no te vas a llevar un tremendo susto ni vas a terminar tapándole los ojos a tus críos. Nada de eso.

Tim Burton es un enfant terrible americano porque con el éxito taiwanés que ha conseguido a través de merchandising y porquerías que todo el mundo usa y nadie conoce (que obviamente hacen referencia a su trabajo, entiéndase Nightmare before Christmas en cuanta mochila darky haya dando vueltas), es un director que ha logrado que hasta Disney le financie una película y que le den sangre de verdad si quiere para filmar la intro.

Entonces no hacía falta que pusiera esa cochinada fluorescente en la presentación de Sweeney Todd, me explico?

Matrimonio real

Me enoja mucho. Pero bueno, es un poco de ketchup, nada más… no lo vamos a crucificar por eso.

En general, la película deja bastante que desear. Me es muy difícil ser objetiva estando Johnny Depp de por medio…  (ahora que lo pienso le tengo que dedicar un post alguna vuelta a la escena en que se manosea obscenamente el bulto en «Before Night Falls»… debe ser la cosa más osada que ha hecho en su carrera y los invito a corregirme si encuentran en algún lado alguna película suya rankeada para mayores de 13 años al menos).  Es que creo que Sweeney Todd se trata de un film gélido, poco sentido a decir verdad. Por momentos parece una película por encargue o una pasada de factura de Burton a tantos años de no ser todo lo sangriento y destripador que siempre quiso ser y no pudo.

Una vez más me doy permiso de opinar que Burton se fascino con sus actores, principalmente, y con los hermosos paisajes londinenses al anochecer, bien nublado todo… y ahí se quedó.

Un musical es un musical, está pensado para tener música que funcione, pero faltó un poco más burtonianismo en esa música; aunque Helena y John Christopher han salido bastante entonados, la verdad… para lo que se podía esperar.

Pero, guardándome lo mejor para lo último, creo que la gran cereza de esta torta creo que es el tenor mala-onda y el tenor oscuro, bien oscuro con que se contó esta historia. Y ahí entramos de vuelta en el terreno del enfant terrible. Si bien sabemos que cuando vamos al cine a ver a Burton nos vamos a encontrar con un montón de calaveritas, gusanos, muertos que bailan, actitudes sospechosamente canibales, muertos que cantan, perros que resucitan en una noche de tormenta, enanos, deformes, muertos que lloran, brujerías y un par de cosas más;  yo creo que al final todos nos quedamos tranquilos porque Burton siempre se encarga de aclarar que el monstruo de debajo de la cama realmente existe (chan!) pero no es tan malo… porque también tiene sentimientos.

Me cago en todo

Bueno, Sweeney Tood se caga en todo eso. Eso es lo mejor de la película y lo peor también. No se olviden de que somos, finalmente, mamones de la industria estadounidense de cine: nos edudan a ver determinadas películas, de determinada manera, con determinados actores, que hacen determinadas cosas, en un determinado contexto y si algo de eso cambia no nos gusta… no nos gusta nada. Bueno, creo que si bien me quedé con todas las ganas de ver esa ternura infinita de los fantasmas de Burton, que te van a morfar vivo, pero antes de cantan una canción de cuna sobre lo fea y solitaria que es la vida de un fantasma; al final la película es una muestra más de que Tim Burton se la banca.

Y ver que una corporativa del showbiz como lo es el nombre de este director hoy en día, se cague un poco en todo eso que lo hace mooooy rico, está bueno.

Es refrescante.

Trailer Oficial

Lo que brilla es oropel, señores!

Velvet Goldmine, el tercer largometraje de Todd Haynes – el bien ponderado paladín del Queer Cinema – es mucho más que “la peli que demuestra que Bowie e Iggy Pop se tenían ganas en los setentas”, porque aunque se pueda decir que estamos frente a una biopic, no es de esas basadas en la biografía oficial de los sujetos sino más bien una versión libre de la supuesta vida de los sujetos… al mejor estilo van Sant.

En fin, la secuenciainicial, ya plantea a Velvet como una de esas películas faroleras y divertidas: nos encontramos frente a vidrieras espejadas con mensajes escritos en labial, en los que los adolescentes se miran y se dan los últimos toquecitos de polvo en la nariz antes de correr desesperados al concierto de quien, en esa belle epoque, era un duque blanco y en la actualidad del film es más bien una especie de Michael Jackson canoso y pasado de cama solar.

La película es un mito, no se sabe muy bien si porque habla de dos leyendas del rock; habla de un tiempo que fue fabuloso para el mundo o porque la tarea del director es genial. Pero no conozco una sola persona de mi lista de amigos de Facebook que no haya cambiado un poco su cabeza una vez que la vio y bien saben todos Uds. que las listas de amigos de Facebook no se caracterizan por ser muy elitistas.

Habría que comenzar diciendo algo que pocos saben o se dignan en aclarar. Tanto es así que en la película hay sólo unos mínimos detalles al comienzo que señalan al escritor Oscar Wilde. Me arriesgaría a decir que a la mayoría podría pasársele por alto este detalle.

“Madame Wilde, Richard… come quickly!” Dice, en la película, la fregona que abre la puerta de la mansión familiar y se encuentra con un moisés que contiene, efectivamente, un bebe.

Ahí viven los que más tarde serían los supuestos padres adoptivos del Oscar Wilde que, en la versión Haynes de la historia, es abandonado por quién sabe qué nave espacial rutilante y colorida en la puerta de esta casona triste en la grisácea Inglaterra de 1854. Y ahí quedaron las alusiones al susodicho… sin contar al nene en cuestión, que declara querer ser un ídolo pop en la escuela 5 o 6 años más tarde (téngase en cuenta que esos ídolos pop de Haynes son más bien estrellas de rock y que ser una estrella de rock en 1860 equivalía a ser escritor).

Si, la película es enervantemente fantasiosa. Parece dirigida por dos nenas malcriadas de 12 años y esa frescura, esa desesperación por embutir todo lo que se sabe sobre cine en 124 minutos y a fuerza de todo el color y el brillo posible, es lo que hace de esta pieza, una bandera para quienes creen en la belleza como otros creen en un cuadro de fútbol o en un dios.

Por eso se vuelve tan importante tener en cuenta de que, al menos un 75 por ciento de los diálogos más importantes de la película – las declaraciones de principios, sobre todo y las cosas que resultan más brillantes a la oreja espectadora – son copy-paste de “El retrato de Dorian Grey”. Ahora, la combinación de esa obra maestra de la literatura ‘superficial’, con la parte más morbosa y arbitraria de la biografía de dos de las más grandes rockstars de la historia del S. XX es furiosamente peligrosa. Y lo mejor de todo eso: la cosa aprovechada que suelen destilar ciertas películas, ciertos directores, en ciertas producciones acá no se nota. Es puro fragor de purpurina.

Si “El Retrato de Dorian Grey” es un manifiesto sobre la belleza y el poder de su futilidad, la película también lo es. Todd Haynes no puso actores más hermosos porque les pidió que hagan fuerza pero no lo consiguieron. Aunque con Toni Colette estuvo flojo – hubiera podido poner a Angelina Jolie si era por linda; pero a Haynes se le pasaron por alto las chicas… una vez más – la presencia de Ewan McGregor – en una de sus apariciones más prodigiosamente voluptuosas – y la estampa de Jonathan Rhys Meyers como una especie de Marlene Dietrich del bajomundo gay inglés de los 70 hacen gran parte del trabajo en este film. Aunque no sería justo dejar atrás a Christian Bale, actor camaleónico y extraño si los hay, que, patetizado hasta el imposible logra una performance inmejorable para un personaje demasiado humano en ese mundo de seres rutilantes y dionisíacos.

La cuestión es poder evadir temas superficiales cuando hablamos de una película que, entre sus principales temas, tiene a la superficialidad misma. La belleza de McGregor y Rhys Meyers hace lo que una banda sonora espectacular hace a una mala película: el trabajo duro. Pero como en este caso se trata de una película ciertamente brillante, estaremos hablando de refuerzos: las siluetas desnudas de los dos astros y, efectivamente, la banda sonora que sangra toda la genialidad que se le pueden pedir a los salvajes setentas, hacen unos encantadores refuerzos.

Y si de superficialidad se trata no se puede dejar de decir, si se pretende ser más o menos justo, que el argumento es uno de los caprichos más insulsos que ha conocido el cine independiente hasta ahora: un muerto de hambre que se roba el talismán de la suerte de un personaje homosexual de su barrio y que gracias a él se convierte en una estrella pop, para así después conocer a un rockero del otro continente que lo enamora locamente y con el cual pretende cambiar el mundo; pero por el cual, finalmente termina por perderlo todo y… ¿aprender la lección?

No es mucho, si lo vemos de esta manera, pero la película es demasiado más que eso. Es el riesgo de darle vida a una de las voces más polémicas de la historia de la literatura, que ha planteado cuestiones que hoy en día – donde el dios de muchos se llama “cuerpo” – aún son urticantes de escuchar. Es sumarle a aquello una batería de canciones hechas por monstruos de este siglo (léase Thom Yorke, Brian Eno, Placebo, etc.) con la genialidad y el espíritu de una época que ya quedó muy atrás sin perder la oportunidad de reverenciar joyas de la música del momento (véase la estupenda versión de “Gimme Danger” de Iggy Pop a manos del multitalentoso Ewan McGregor). Es poder tener la posibilidad de ver una película que incluye una enorme batería de arriesgados recursos cinematográficos que la vuelven una delicia para el ojo aficionado y un perfecto material para el que quiera aprender más de cine y para que el que pretende abordarlo desde un lugar más activo, advierta que es posible repasar todos los peligros posibles en materia de realización y aún así crear un producto brillante y pretencioso, sin resignar ni una pizca de autenticidad.

De cómo arruinar el final de una película – «Last Days» Dir. van Sant (2005)

Hummm… una de las placas al comienzo de las películas dice «HBO Films»…. y tengo la leve sensación de que a esa misma placa la vi una de las últimas veces que fuí al cine: a ver Elephant, del mismo director.

En realidad esa no fue la última vez, pero si, una de las últimas.

Al parcer HBO le está produciendo las películas a Gus van Sant, director también de la bastante nueva «Last Days«… ooootra película del director, *inspirada* en hechos reales. Esto es *inspirarse* en hechos reales y reproducir en película sensible una versión libre de las cosas. Digamos, la misma fórmula que en Elephant… pero con mayor proyección comercial, eso sí.

Si en la oportunidad de Elephant, la excusa fue la masacre de Columbine; en esa oportunidad se trata de los últimos (4, 5… 20) días de Kurt Cobain, antes de su suicidio el 5 de Abril de 1994. Evidentemente van Sant se siente severamente atraído hacia esos momentos antes de la catástrofe, esos minutos que nadie ve, excepto los involucrados, pero a la vez; no parece que van Sant tenga los huevos suficientes como para mostrarle a todo el mundo su morbo en todo su esplendor. Los hiatos y las elipsis al momento de los bifes nunca se hace esperar y queda todo encubierto bien prolijamente en un manto de «Soy un rebelde, no te voy a mostrar lo que querés ver.»

Hasta hace un tiempo, van Sant solía darme una sensación de ser un buen director que, aparte de eso, dejaba muy bien impresa la huella de su personalidad y que sabía muy bien como cagarse en todos. Hoy ya no sé si seguir pensando lo mismo.

Hubo momentos, habiendo comparado las dos películas que pusieron a este director bien alto en el mainstream (o sea Elephant y la que hoy no ocupa), empiezo a sentir que la movida publicitaria que tuvieron estas dos películas, la forma en que se cuentan las historias, como se tratan los climax de las dos; no son más que señales de una mente excitada para conseguir la aprobación de las masas.

Suena demasiado maquiavélico, quizás, pero no puedo más que pensar así: los temas elegidos (será acaso su próxima película sobre el huracán Katrina? Tendremos que esperar mucho para ser su versión del 9-11?) y la repercusión que tienen los mismos – sobre todo – sobre la sociedad americana y también sobre el mundo; la forma de apelar a los mismos; o bien DONDE SE POSA EL FOCO DE LA CÁMARA DE VAN SANT!.

Lo más choto de toda esta historia, creo, es que toda esta movida esta tras una mascarada de cosa «indie» e «irreverente». En una especie de afán de no dar el gusto para calzar bien ahí los cimientos de una estética que no se apoya en nada más que en la idea – o en la idea de dar la idea – de que «Esto no es cine hollywoodense».

Las películas no son malas. Son muy HBO, por otro lado. Con una estética aséptica y despojada (no al punto de Romanek, pero casi), donde abundan los colores suaves y vivos, donde la imagen es tan nítida como las de las cámaras de Discovery Channel insertándose en el aparato digestivo de un cefalópodo (lo cual no ha de ser casualidad, por el dejo de una tonadita medio documental -que aporta sinceridad a su trauma -; firma indiscutible de van Sant en sus locas creaciones); las bandas sonoras suelen ser estupendas (bueh, la de Last Days, definitivamente lo es) y las películas están siempre apuntando a ese pulso cinematográfico tan famosamente europeo: el de la más delirante lentitud.

En Last Days, vemos a Michael Pitt (un rubio muy desagradable, desde mi punto de vista, que también trabajó en «Los Soñadores» de Bertolucci) cambiarse de ropa por lo menos 5 o 6 veces, cocinarse arroz con leche, esconderse, cruzar el bosque, cocinar otra vez, caminar por el bosque, ponerse un vestido, cocinar, esconderse, escuchar sin hablar, arroz con leche de nuevo, dormir, ponerse un abrigo, correr por el bosque. Y asi.

Hasta el ojo más educado en la vieja convención europea de hacer cine, dado un momento, empieza a clamar desesperadamente por escuchar a la escopeta de Cobain (o a ese personaje)  suicidándolo; dando ya por sabido – gracias al ritmo de la película, su banda sonora (más bien orientado a los diálofos y la mínima cantidad de ellos presentes en la peli) las planos secuencia interminables, el idioma fundamental de la película basado en la exclusividad de los planos generales, casi – que seguuuuuro que nadie va a ver sangre… ni un poco, siquiera.

En mi caso, yo vi la película con Ella y Ella, justamente (estudiante de cine) está bastante acostumbrada a ver este tipo de filmes y – aunque no está acostumbrada a dormirse más tarde que la 1 a.M. – se me durmió luego del segundo tercio de la película esperando EL momentoy claro; creo que no vió la parte de la muerte porque estaba dormida y aunque el volúmen estaba alto; eso tampoco ayudó de mucho: de una escena a la otra el tipo ya estaba muerto y de no ser por conocer más o menos la historia de que a Cobain lo encontraron en un invernadero; nadie se daría cuenta de lo que está a punto de pasar en la película si no fuera porque vemos a Pitt (Michael, no Brad!) justamente… emmm… entrar a un invernadero.

Ahora, hasta acá está todo bien, dirán Uds. Hasta podrían ir ahora mismo a alquilarla. La película no tienen ningún final sorpresivo que yo les haya cagado en esta review ni nada terriblemente malo, como para que organicen un piquete contra van Sant, esto es así pero… ¡¿COMO PUDO HABER PASADO LO QUE AUN NO LES CONTÉ QUE PASO?!

Partamos de la base de que seguramente, van Sant es un tipo que conoce el negocio. Lo debe conocer muy bien… MUY BIEN como para arruinar así una película que – hasta el momento – daba como para verla, al menos; o daba como para tenerla en cuenta entre la interminable lista de cosas que mamaron vorazmente del fenómeno Nirvana (me extraña que se le haya atrasado tanto la fecha y que no la haya estrenado en Abril del 2004!).

Después de muerto y que ese señor X (o Gary Smith) lo encuentra hay UNA TOMA, LA TOMA de la película, donde se muestra a Pitt tirado, muerto en el piso y a otro Pitt, más transparentón en la imagen que se levanta desnudo del cuerpo del otro Pitt vestido y muerto – mira a su propio yo tirado en el piso y sube unas escaleras (to heaven?)… Cabe aclarar que es el almita que se va al cielo? La comparación con el tema de Zeppelin, estuvo demás?

Naaaaaaaah.

En fin… si quieren verla, veanlá. Yo no le doy mis votos.

Saludos.-

Construyendo amistades – «May» Dir. L. McKee (2002)

Yo solía estudiar cine. Y a partir de esta premisa, ¿Cuántas veces uno ve una película que le hace pensar en por qué mierda no se le ocurrió a uno primero?

Bueno, «May» (o su traducción al castellano, que supuestamente vendría a ser «La cara del horror») es uno de esos films.

La historia se resume a una pibita que de chiquita era vizca y la mamá la obligaba a usar un parche en el ojo al mejor estilo ‘piratas del caribe’ y por eso no pudo hacer amigos. La única amiga que pudo hacer fue una muñeca, que, para colmo de males, estaba adentro de una caja de vidrio. Un día unos guachos ciegos a los que se decide a entretener, le rompen la caja y la muñeca, entonces la piba se vuelve loca y la fórmula no difiere demasiado a la de «Psycho» de Hitchcock.

Lo curiosísimo es que, antes de eso la película es una especia de comedia romántica donde la protagonista te cae bien y te hace alentarla de vez en cuando en sus andanzas. Hasta que pasa eso de la muñeca que dije ahí arriba.

La chica se freakea de tal manera que ocupa los últimos 20 minutos de la historia en hacer de esa ternura de peli que estábamos viendo en un film de terror. O algo así.

La película tiene lo que tiene que tener: un romance, rechazo, un poco (o mucho) de gore (hay una mini peli dentro de la peli que se llama «Jack & Jill», dirigida por Chris Sivertson (que ya dirigió películas como «The Lost» en 2005 – si, ya se… no la viste! Yo tampoco; pero lo que quise decir es que ese tipo es ya un director que ALGO dirigió), una linda actuación para lo que se puede pedir al personaje de May, una foto de la ostia que no deja de remontarte a esas cosas rococó que adornaban las mansiones de la gente adinerada del Siglo XIIX, una MUY BUENA banda sonora y demás cosas que hacen que la pelicula valga la pena para verla si querés ver algo lindo, pero que no valga la pena si queres ver muchas tripas y originales formas de hacer cagar a un tipo.

A eso hay que admitirlo, la película, para ser de terror es muy rosa, para ser romántica es muy creepy, para ser un drama es muy cómica, para ser una comedia es muy triste, y para ser puro entretenimiento, produce demasiadas cosas al verla. Por eso mismo creo que vale la pena alquilarla, conteniendo el vómito que produce su foto de tapa y su tagline y verla en algún momento…. una tarde lluviosa de domingo es lo que se recomienda.

PERO HAY ALGO MÁS:

Lo que más me gustó y lo que más me rompió las pelotas de esta película fue lo mucho que me remitió a mi propia película «Victoria», pero sin la parte de la sangre. La cosa del personaje outsider, marginal; la historia funesta con mamá y papá, las enfermedades mentales, los finales trágicos, la falta de amigos, LA MUÑECA!!!… y hasta la estética sentí que el puto de McKee me la estaba robando o… por lo menos, me estaba mostrando que para que te paguen un montón de plata en Joligud para escribir y rodar una peli no hace falta ser McKee…. SÓLO BASTA CON SER YO!

‘Ta pronto.

Y ACA ABAJO, A PROPOSITO DE VICTORIA, ALGUNAS DE LAS POCAS FOTOS QUE PUDE RECUPERAR DE LA PELÍCULA, HASTA AHORA.

GRACIAS A MOLOCO PRODUXIONES!

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Cochino Italiano – Rocco «Mister 24» Siffredi

Rocco Siffredi es un señor de unos cortos 43 años que ya se ha convertido en un actor porno de culto. Ese no es su verdadero apellido, pero lo que si vale mencionar es que, en sus días más mozos de macho cabrío se hacía llamar «Rocco Tudor» (santafesinos… acaso no hay algo de ese nombre que les suena conocido?), pero se puso Siffredi en homenaje al gangster que interpretaba Alian Delon en ‘Borsalino’.

Se preguntarán porqué. Aparentemente existe 3 razones para esto:

1 – Su calidad actoral (?)

2 – Su vigorosidad :s

3 – El tamaño de su pene (sus 24×6 centímetros en erección, que si bien no es el más largo en la historia del porno, si destaca por su grosor, auténtico martirio para la retaguardia de las sufridas actrices)

Más allá de esto, no sólo es actor, sino también productor y director de pornografía.

No es un nene de pecho. Sin ir más lejos, Wikipedia cuenta, muy correctamente la temática de una de sus últimas películas: «Anatomía del Infierno» donde una pareja tiene mucho sexo con caca y sangre por doquier. Pero guarda, no estamos hablando de snuff ni nada de eso, sino de una especie de poética metáfora pornográfica de la decadencia de las relaciones humanas de hoy en día.

Me deleita saber que existen personas que tienen la cabeza tan revoltosa que se ponen a criticar al mundo y sus tufientos males con toda la soltura de un nene que, sencillamente le dice «puta!» a su mamá cuando ella le molesta en algo, o llama «caca!» a la comida que más detesta.

Al parecer, uno de los pasajes de las película muestra a la chichi instando a Rocco que beba de su… mmm, como decirlo? TAMPAX… aún colocado en el lugar donde suele ser más útil.

Sobre esta cuestión, Wikipedia dice que:

«Esto tiene una explicación mitológica, aunque real en el sentido de que así ella explica que cuando la mujer tiene la menstruación, al hombre no le gusta. O bien, cuando él desea tener coito anal pero ve que está algo sucia de excremento natural, el hombre odia a la mujer.»

Mmmmm… EN FIN… ESTO es mitología.

Además de todo esto, dicen que en la película – porque no tuve el agrado de verla – su papel es de un hombre gay aunque… no se trate de una película porno y no está dirigida por él sino por la directora Catherine Breillat, que ya en 1999 le dio su primer papel fuera del porno en la polémica ‘Romance X’. Catherine Breillat, la también directora de Pornocracia, es defininida por él como una verdadera amiga y de quien dijo que es «la única que cree en mí como actor también cuando estoy vestido«.

Aunque Rocco siempre caracterizo al símbolo sexual de macho hétero, como dije antes, en esta peli hace de gay y aparentemente esto no resulta tan raro, teniendo en cuenta que el pornstar italiano es el responsable de la homoerotización del porno hetero mainstream porque:

1. Rocco es uno de los máximos responsables de la actual hegemonía del sexo anal en el porno hetero. Su cine desprecia la vagina como fuente de placer.
2. En sus películas la estrella es el actor, no la actriz. El placer femenino es secundario. El masculino primordial, aún a costa del dolor femenino.
3. Apenas hay cunnilungus, pero siempre felaciones.
4. Ha aparecido travestido en varias películas.
5. Rocco recibe besos negros y masajes anales. ¿Cuándo en el cine porno hetero se había visto un primer plano del ano de un hombre?

Otro de los secretos de su éxito es el fuerte sadismo que imprime a sus películas, cuyo origen se le atribuye a la relación que mantuvo en su juventud con una modelo masoquista llamada Tina. Tildado de misógino, odiado por muchas actrices, en sus películas la mujer es siempre sumisa a los deseos de dominantes del macho.

Después de haber ganado todos los premios de la industria del porno y nombrar a su sucesor, el español Nacho Vidal, Rocco está ahora en plena retirada y ahora le pintó dedicarse al cine ‘normal’. Pero según él, se le va a hacer difícil porque, ‘hay una forma de racismo hacia los actores que llegan del porno. Ni yo mismo me siento seguro’.

Ahora a un par de pasos de retirarse el tipo se acuerda de que «Cuando empecé, hace veinte años, me enfadaba ver en el rodaje a viejos de cuarenta años con chicas mucho más jóvenes, ahora tengo yo esa edad y es hora de dejarlo«. Muy consecuente de su parte, no?

Igualmente, por algo dicen que Rocco marcó un antes y un después no sólo en el cine porno, sino en el cine en general, sino en un par de campos más… bizarros si se quiere de la industria y el mundo en general.

Buscando info sobre este tipo que tan generosamente me recomendó el Mati… encontre una noticia que habla sobre el primer jóven en silla de ruedas que se convertió en actor porno: se llama Josito y no pasa los 25. La primer película que protagonizó – chequeen el nombre que es un plato – se llama «Querer es poder«. El chico se justificó diciendo que hacer porno, no es su vocación sino que lo que quiere hacer es mostrarse ante todo el mundo, sobre todo, femenino porque le parece que las chicas se freakean un poco con un tipito en silla de ruedas en lo que a materias sexuales se refiere. Aunque también admite – esta tullido pero no es tonto – que le gustaría ser productor porno (perdón por el morbo pero, muero por verlo de 20 o 30 años convertido en un viejo verde, en su silla, amasijando dinero que brota de lubricados cuerpos jovenes).

Y como para cerrar el tema, les agrego la frutilla de la torta: el flaco quiere donar parte de la ganancia de «Querer es poder» a alguna institución dedicada a la investigación de lesiones medulares, mal que él mismo sufre; así que más allá de todas mis bizarreadas un aplauso a Josito, ferviente admirador, casualmente de Rocco Siffredi.

Para ver la nota entera de Josito, clickeen ACÁ.

 Y ACA pueden ver un video de Rocco, pero no se preocupen por tapar la pantalla, sólo está haciendo una propaganda de papas fritas. Aunque los comentarios de los chicos que postean, se merecen un apartado, ja!

Almejas y Mejillones

YO, no la recomendaría.
Más de lo mismo.
Cuando se estrenó yo estaba dispuesta a pagar la enormidad de dinero que pide Cinemark para sentarme en sus cómodas butacas e ir a verla, pero ahora que la vi, definitivamente NO LA RECOMENDARIA.

Por qué?
1 – Leticia Brédice esta horrible en su papel.
2 – Gasalla siempre es Gasalla, pero no ofrece nada nuevo, excepto su performance drag, que ya todos pudimos imaginar desde que conocimos a mamá Cora.
3- La calidad fílmica y creativa de la película es… un bando.
4 – La historia también.

En fin, hagan como quieran…

Mi calificación no calificada es
MALA

Voces Inocentes/Pandillas de Nueva York

Dos pelis recomendadas:

1- Voces Inocentes, de Luis Mandoki (México, 2001); una película situada en El Salvador, en la época de los 80’s, centrada en el personaje de Chava (Carlos Padilla), un nene de 11 años que no sólo tiene que convertirse en el «hombre de la casa», para «velar» de alguna manera por su familia (compuesta por su madre, su hermana y su hermanito) sino que también tiene que salvarse él mismo de que lo recluten para la Guerra Civil, mantener a salvo su cuerpo y su cabeza mientras que va transitando su camino cada vez más marcado hacia la resistencia comunista. Todo indica que la película podría valerse de escenas más que sangrientas para su propósito (véase Buscando al Soldado Ryan y demás bellezas hollywoodenses) y subrayar con más ímpetu dramático la carrera -muy posible pero no dada- de Chava hacia la total venganza y lucha activa por conseguirla. Pero no. La película es una película sencilla, de sentimientos transparentes, que no da golpes bajos pero que tiene una narrativa visual muy fuerte por momentos y muy sutil por otros. Está basada de hecho en una historia de vida real, la de la infancia del guionista Oscar Torres y es un film muy digno de verse.

CALIFICACION NO-CALIFICADA:

Muy Buena.

2 – Pandillas de Nueva York de Martin Scorsese (Nombre Original: Gangs of New York, EE.UU., 2002); es una buena película. Con ese nombre NUNCA la hubiera alquilado pero hace poco la dieron en el canal AXN; dado que la había filmado ÉL, y que todo el mundo tanto se llena la boca de que nunca ha hecho un bodrio… bueno, decidí verla. Aparte de que la película tiene una buena historia, está bien hecha y una buena banda sonora, son sólo 3 cosas las que más rescato para decir que etaría bien que vean esta película: la primera cosa es lo raro que me resultó ver a Di Caprio y no querer cambiar de canal con cara de asco. Su aspecto me recuerda a Jack White/John Gillis de los White Stripes y su performance, creo, que de todas las poquísimas películas que vi de él, fue una de las que menos me desagradó (sin contar en la de Total Eclipse, en la que hacía de Arthur Rimbaud, pero eso ya es un asunto más personal, jeje). La segunda cosa es la escena de Daniel Day Lewis, en la que su personaje (Bill Cutting, el Carnicero) se ve envuelto en la mugrosa (en serio! de hecho estaba muy sucia…) dando un discurso bastante interesante sobre como hacer funcionar las cosas a través del miedo y la última cosa es una de las tomas finales (sino la final, no recuerdo) en la que segundo a segundo se va mostrando, en la misma toma como va pasando el tiempo…Y si tenemos en cuenta de que la película se filmó en 2002… bueno… que en la toma final aparezcan las DOS TORRES GEMELAS (y no el espacio vacío) es un acto de traviesa rebeldía, que me encantó. A verla!

 

CALIFICACION NO-CALIFICADA:

 

 

Buena.

AMERICAN HISTORY X – (T. Kaye, 1998)

Como para recibirlos, voy a empezar delirándome y atreviéndome a recomendarles una película y a mostrarles por qué hago semejante cosa.
En este caso nos vamos a dedicar a American History X.

 

El del lápiz y el papel; Guión:

 

Esta película fue escrita por David McKenna; como para que identifiquen, es el mismo guionista de «Blow, profesión de riesgo» la película protagonizada por Johnny Depp, en la cual se trata la historia de George Jung, el tipo que «instaló» el comercio de merca en los Estados Unidos allá por la época de los 70’s.
Evidentemente este chico no frecuenta temas muy naïf. La droga, el neo-nazismo y otros temas que toca por otros films que ni idea tenía yo que existían y otros que me suenan pero, Dios…! me suenan mal. Igualmente es interesante que en la industria hollywoodense haya alguien aún que toque estas cositas, dado que si bien American… tiene varias cosas más que criticables, de igual modo, para ciertas personas (un poco muy naïf al lado de este escritor) es bueno que alguien las enfrente con una (supuesta) realidad que (supuestamente) existe, por más inverosímil que pueda parecer.

Mandamás; Dirección:

American History X, más conocida por estas tierras como «América X», fue dirigida por Tonny Kaye, un director británico (inglés, para más precisión) no demasiado fértil en laburo. Sólo hizo un par de películas y la mitad de ellas aún no las vimos aca en Argentina o bien, no pasaron por el cine o bien… yo no estoy calificada para criticar esto y Uds. tomaron una mala decisión al leerme. Evidentemente es una pena que este tipo no haya laburado un poco más. Este hombre tiene un manejo plástico bellísimo, sobre si todo si es en blanco y negro, cosa que no da pasar por alto dado que, hoy en día, trabajar en blanco y negro es total monopolio de los estudiantes de cine que, sin haber tenido tiempo de superar la primitiva fascinación por el kinetoscopio, se hacen expertos del byn y no así aquellos que ya tienen el ranchito en medio de la industria… que no vuelven a tocar esos colores, excepto que hagan películas de terror (donde siempre es de noche en el bosque y todo se ve negro) o que se llamen Mark Romanek (nunca me acuerdo del nombre de pila de ese tipo, mierda!) que adora abusar de quemar películas.
Pero esto no es todo respecto de Kaye… en color también se defiende el tipito. En las tomas realistas es más bien clásico y ubicadito, sin dejar muy de lado su cosa brutal (muy común en los ingleses devenidos en cineastas); en otras tomas, ese hombre, junto al director de foto logran tomas de increíble carga emotiva, pero más que nada simbólica.
Lograr esas tomas que no te olvidas más depende de muchas cosas y entre esas cosas, una de las más importantes es el director. Al menos en American… Kaye se puede jactar de su propio laburo, al menos en ese sentido.

 

Instantáneas, Fotografía:

 

Esto significa un punto y aparte para esta película. La foto es extrema, MUY buena. Tanto la totalmente realista, como la realista byn y la no-realista, por decir así.
La película maneja la fotografía con códigos argumentales muy entendibles para cualquier asno criado por Hollywood: el presente es a color, el pasado en blanco y negro, el tiempo del deseo (gracias Paroni!) a color pero bieeeen ensoñado. En este caso, ese tiempo del deseo se traspola con recuerdos de un pasado muy lejano, donde el lente con el que se mira es totalmente infantil (entiéndase puro) lo que hace que por ciertos momentos uno no busque sentido en las gaviotas o en el repetido símbolo del agua.

 

 

Lo bueno y lo recortable:

LO BUENO:

 

 

1-Las actuaciones se llevan el mayor premio. Edward Norton (Derek Vinyard), para variar te deleita con la versatilidad que tiene en la máscara de pasar de un nanosegundo al otro de ser el más sufrido de los pocos hombres buenos y puros que quedan en la tierra, para ser el más hijo de re mil putas que te puedas haber cruzado. Sólo le basta un gesto, una mirada (sino, consultar más sobre este tema de Norton en su debut cinematográfico, «Primal Fear» de Gregory Hoblit, 1996, película que le valió a Norton el Globo de Oro al mejor actor de reparto y la candidatura al Oscar en la misma terna.) (Ver foto de abajo, ojitos de asesino). Esto si no hablamos de la versatilidad a nivel de todo el cuerpo: el tipo se engroso en 30 libras (al que le interese, que busque cuanto es el equivalente en kilos) en puro músculo para este personaje.

Además de esto, Norton a pesar de ser tan prometedor en drama; nos desiluciona un poco con su criterio para elegir películas más tarde, sujetándose mucho má a comedias simplonas y cosas por el estilo; aunque es bastante entendible; su aspecto, su karma lo hubiera definitivamente enterrado en ese personaje de 1996, Aaron/Roy, tal como le ha sucedido, de alguna u otra manera a Kevin Spacey, cuya escuela, considero es la que sigue Edward. Si les queda alguna duda de la predilección que tiene la industria por Norton en estos papeles, chequeen «Fight Club» (1999, David Fincher) una oda a la carátula hollywoodense de Edward Norton, aparte de una muy copada película.

Por su lado nos quedan Furlong (Danny Vinyard en American…; ya se lo acordaran, de niño abrazando la inconmensurable cintura de Arnold Chuarseneguer en Terminator, en una escena de persecución en moto). Bueno… este pibe labura bien, labura bastante bien en los roles que le tocan, generalmente muy ajustados a su tan particular cara y, evidentemente, su galería gestual y de movimientos.

Pero la que se lleva la mención especial es para Beverly D’Angelo (Doris Vinyard, la madre) es una actuación MUY rescatable en el film, esa mujer, aparte de su terrible belleza vintage de señora de 50 pirulos, pone de sí mucho más de lo que otras podrían en el desventajado rol de la madre de los skins.

2-Ciertas tomas se llevan todos los premios, como por ejemplo: en la escena del robo al mercadito, la leche en la cara de la empleada hispana y otras más espectaculares, como la de la caja registradora contra el vidrio del negocio. En otro caso como en el de la partida del novio judio de Doris, después de la pelea bien fea que se arma en el almuerzo; hay una toma en que ella queda sola afuera de la casa familiar; es una poesía total de surrealismo y sensibilidad. Por otro lado resalto la toma, histórica para la película del momento en que arrestan a Derek, después de haber cometido un acto de vomitiva violencia; el alza las manos, en calzoncillos, mira a su hermano, le guiña un ojo y en semejante momento, te hace sentir como que ese tipo que estás viendo en pantalla, es el más grande hombre de la historia. Y un premiecito más para la escena de la violación; perfecta,magnifica, sin palabras.

LO RECORTABLE

 

1- Dios! Los tatuajes de Edward Norton, no pueden ser más truchos!

2-Existe una escena en la película que es y debería ser PERFECTAMENTE RECORTABLE: un momento en que ambos hermanos se paran frente a la pieza del más chico y observan los numerosos símbolos nazis colgados de la pared (y, dispuestos a cambiar sus vidas) arrancan todos los posters, banderas, leyendas y demás.. juntos. ESO se llama CURSILERÍA. Un bajón americano.

 

3-El momento en que se explica a nivel del padre muerto de Derek, por qué Derek hace lo que hace y dice lo que dice. Demás, para mi, muy demás.

 

 

 

 

 

 

4-Un error, una licencia del director como le dicen. El raid del ensayo impreso en las manos de Furlong en su última escena en la película es mortal: que se le cae, que a la toma siguiente aún lo tiene en mano, que a la que sigue ya esta en el piso, que despues vuelve a estar en mano. Muy descuidada de la de continuidad, eh!

5-Y bueno, creo que lo peor de todo. La frialdad de Norton ante el final de la historia. A eso no hay nada que agregarle.

CURIOSIDAD!

Dicen que la peli terminaba muy distinto… sin contarles el final, en el guión original, el final consistía en una toma de Derek Vinyard frente al espejo, rapándose la cabeza, nuevamente…

WEB OFICIAL:

Sitio Oficial: www.historyx.com

Veanlá y después me cuentan.

Merci boucourt!

 

PUNTUACION:

MUY BUENA