Probablemente se estén preguntanto quien carajo es el de la foto o, en definitiva, quién es Stuart Larkin, antes de responder la pregunta del título de la entrada.
Bueno, Stuart es un niño de unos 7 años, aproximadamente; que se ve como lo ven ahi en la foto. Con un aspecto de unos 40 y posiblemente con más de un metro ochenta de altura.
Es una de los mejores personajes cómicos, que, por lo menos yo he visto en años.
Interpretado por Michael McDonald para MadTV Stuart es la sanguinolenta representación de la ruda verdad infantil.
Es, sencillamente lo mejor.
MadTV es una serie de televisión cómica de sketchs que tenemos la suerte de poder disfrutar gracias I-SAT… como un par de cosas más, para variar.
Algo en tele que sea políticamente incorrecto a parecido nivel? Sólo Stewie, de Family Guy…
MadTV, humor americano noventoso; no es de esas porquerías tipo sitcoms onda Friends del tipo meloso y … triste.
Una serie verdaderamente recomendable, sobre todo por los momentos en que tenemos el agrado de presenciar las performances de McDonald: un tipo que deja todo frente a la cámara como si en eso se le fuera la vida.
Ese chabon, posta que no tiene vergüenza. Hace lo que se le canta el culo con una profesionalidad y destreza humorística sórdidas. Y ha llegaado – aparte de guionar sus propios sketchs – a guionar para MadTV en general.
Un aplauso para Mike… y aguante EE.UU. cuando EE.UU. hace algo por la patria, verdaderamente.
Casi llegando a Marzo… o ya entrado el mes ya se me había calmado la Sweeneytoddmanía que me había agarrado desde que anunciaron la película y vi los carteles de mi actor favorito por toda la ciudad. Recién ahí pude ir a Lavalle y verla: Miércoles, 22:35 Hs.
Planes poco probables, por lo visto.
Lavalle todavía exhibía algunos transeúntes masticando grasientos choripanes, igual que yo.
Para esperar que empiece la película, me paro frente a un negocio grande, muy grande en el que venden bolsos de viaje, de mandados, de mano, de campamentos, flota-flotas, carritos de supermercado, chalecos antibalas, gorritas, bolsas de dormir y un montón de cosas más. Hay por lo menos cinco morochas adentro. Y yo comiendo el choripán. Me miran con ojos grandes. Yo sigo comiendo. Se rien y en ese momento desvío la mirada y veo, cerca de otra de las puertas del cine un chico. Una versión medio gordita y más urbana de Patrick Wolf del que ya les conté.
Tenía unos zapatos blanquinegros (muy a lo tanguero, comprados en San Telmo por 25 Euros), bermudas negras con botamangas, camisa con volados en la solapa, medio abierta, medias altas. En cuanto lo empecé a mirar curiosamente él me empezo a mirar a mi.
SEPANLO, ESO SIEMPRE ME PASA. A los dos minutos ya estaba junto a mí pidiendome fuego. El acento raro, raro; pensé que era yankee.
No, era de “ijrail” y no sé como pasó todo pero cantó. Se puso a cantar, inmediatamente después de preguntar que película iba a ver. Cantó el himno judío y un montón de canciones tradionales. Me enseñó a decir cosas simbólicas de buena educación y de hecho me hubiera gustado quedarme un rato más con él a ver si me daba su mail (Cuec!). Pero tuve que entrar.
No me arrepentía, no. Pochoclo en mano me dispuse a ver la peli y obviamente lo primero que vino a mis ojos fue la intro.
Esta promo se la re banca...
Como ya sabrán, Tim Burton se destaca por las presentaciones de sus películas… recuérdese la intro de Charlie & the Chocolate Factory con los chocolates cayendo de pequeños paracaídas blancos formando una coreografía sublime ante la privilegiada mirada de la cámara; o la modesta pero bellísima introducción de Edward Scissorhands con las galletitas apareciendo al ritmo de la música en la pantalla (che, que gastronómico que se volvieron estos recuerdos!). Nunca, nunca se priva, Burton de hacer estos derroches de talento (y de guita, obviamente) en las introducciones de los films: éstos siempre son un caso aparte de la historia, aunque muy relacionados, obviamente. El tipo se mata con sincronizaciones coreográficas, colores y una música que por lo general es maravillosa, que lleva usualmente la delantera y unas imagenes cuidadosamente elegidas para deleitar ojos y oídos.
La de Sweeney Todd es una excepcion y quiero poner el acento en la sangre falsa y fea esa que aparece ahi. No me voy a extender demasiado en críticas contra la película porque Burton ya se ha ganado en lugar de enfant terrible en la industria cinematográfica hollywoodense.
Por qué enfant terrible? No porque sus películas sean políticamente incorrectas, ni porque ose bardearla mal en ellas. Nada de eso. Es más, Tim Burton es una de esos directores que, por lo general te hacen ir al cine tranquilo de que por más chillona y alocada que sea la película no te vas a llevar un tremendo susto ni vas a terminar tapándole los ojos a tus críos. Nada de eso.
Tim Burton es un enfant terrible americano porque con el éxito taiwanés que ha conseguido a través de merchandising y porquerías que todo el mundo usa y nadie conoce (que obviamente hacen referencia a su trabajo, entiéndase Nightmare before Christmas en cuanta mochila darky haya dando vueltas), es un director que ha logrado que hasta Disney le financie una película y que le den sangre de verdad si quiere para filmar la intro.
Entonces no hacía falta que pusiera esa cochinada fluorescente en la presentación de Sweeney Todd, me explico?
Matrimonio real
Me enoja mucho. Pero bueno, es un poco de ketchup, nada más… no lo vamos a crucificar por eso.
En general, la película deja bastante que desear. Me es muy difícil ser objetiva estando Johnny Depp de por medio… (ahora que lo pienso le tengo que dedicar un post alguna vuelta a la escena en que se manosea obscenamente el bulto en “Before Night Falls”… debe ser la cosa más osada que ha hecho en su carrera y los invito a corregirme si encuentran en algún lado alguna película suya rankeada para mayores de 13 años al menos). Es que creo que Sweeney Todd se trata de un film gélido, poco sentido a decir verdad. Por momentos parece una película por encargue o una pasada de factura de Burton a tantos años de no ser todo lo sangriento y destripador que siempre quiso ser y no pudo.
Una vez más me doy permiso de opinar que Burton se fascino con sus actores, principalmente, y con los hermosos paisajes londinenses al anochecer, bien nublado todo… y ahí se quedó.
Un musical es un musical, está pensado para tener música que funcione, pero faltó un poco más burtonianismo en esa música; aunque Helena y John Christopher han salido bastante entonados, la verdad… para lo que se podía esperar.
Pero, guardándome lo mejor para lo último, creo que la gran cereza de esta torta creo que es el tenor mala-onda y el tenor oscuro, bien oscuro con que se contó esta historia. Y ahí entramos de vuelta en el terreno del enfant terrible. Si bien sabemos que cuando vamos al cine a ver a Burton nos vamos a encontrar con un montón de calaveritas, gusanos, muertos que bailan, actitudes sospechosamente canibales, muertos que cantan, perros que resucitan en una noche de tormenta, enanos, deformes, muertos que lloran, brujerías y un par de cosas más; yo creo que al final todos nos quedamos tranquilos porque Burton siempre se encarga de aclarar que el monstruo de debajo de la cama realmente existe (chan!) pero no es tan malo… porque también tiene sentimientos.
Me cago en todo
Bueno, Sweeney Tood se caga en todo eso. Eso es lo mejor de la película y lo peor también. No se olviden de que somos, finalmente, mamones de la industria estadounidense de cine: nos edudan a ver determinadas películas, de determinada manera, con determinados actores, que hacen determinadas cosas, en un determinado contexto y si algo de eso cambia no nos gusta… no nos gusta nada. Bueno, creo que si bien me quedé con todas las ganas de ver esa ternura infinita de los fantasmas de Burton, que te van a morfar vivo, pero antes de cantan una canción de cuna sobre lo fea y solitaria que es la vida de un fantasma; al final la película es una muestra más de que Tim Burton se la banca.
Y ver que una corporativa del showbiz como lo es el nombre de este director hoy en día, se cague un poco en todo eso que lo hace mooooy rico, está bueno.
Velvet Goldmine, el tercer largometraje de Todd Haynes – el bien ponderado paladín del Queer Cinema – es mucho más que “la peli que demuestra que Bowie e Iggy Pop se tenían ganas en los setentas”, porque aunque se pueda decir que estamos frente a una biopic, no es de esas basadas en la biografía oficial de los sujetos sino más bien una versión libre de la supuesta vida de los sujetos… al mejor estilo van Sant.
En fin, la secuenciainicial, ya plantea a Velvet como una de esas películas faroleras y divertidas: nos encontramos frente a vidrieras espejadas con mensajes escritos en labial, en los que los adolescentes se miran y se dan los últimos toquecitos de polvo en la nariz antes de correr desesperados al concierto de quien, en esa belle epoque, era un duque blanco y en la actualidad del film es más bien una especie de Michael Jackson canoso y pasado de cama solar.
La película es un mito, no se sabe muy bien si porque habla de dos leyendas del rock; habla de un tiempo que fue fabuloso para el mundo o porque la tarea del director es genial. Pero no conozco una sola persona de mi lista de amigos de Facebook que no haya cambiado un poco su cabeza una vez que la vio y bien saben todos Uds. que las listas de amigos de Facebook no se caracterizan por ser muy elitistas.
Habría que comenzar diciendo algo que pocos saben o se dignan en aclarar. Tanto es así que en la película hay sólo unos mínimos detalles al comienzo que señalan al escritor Oscar Wilde. Me arriesgaría a decir que a la mayoría podría pasársele por alto este detalle.
“Madame Wilde, Richard… come quickly!”Dice, en la película, la fregona que abre la puerta de la mansión familiar y se encuentra con un moisés que contiene, efectivamente, un bebe.
Ahí viven los que más tarde serían los supuestos padres adoptivos del Oscar Wilde que, en la versión Haynes de la historia, es abandonado por quién sabe qué nave espacial rutilante y colorida en la puerta de esta casona triste en la grisácea Inglaterra de 1854. Y ahí quedaron las alusiones al susodicho… sin contar al nene en cuestión, que declara querer ser un ídolo pop en la escuela 5 o 6 años más tarde (téngase en cuenta que esos ídolos pop de Haynes son más bien estrellas de rock y que ser una estrella de rock en 1860 equivalía a ser escritor).
Si, la película es enervantemente fantasiosa. Parece dirigida por dos nenas malcriadas de 12 años y esa frescura, esa desesperación por embutir todo lo que se sabe sobre cine en 124 minutos y a fuerza de todo el color y el brillo posible, es lo que hace de esta pieza, una bandera para quienes creen en la belleza como otros creen en un cuadro de fútbol o en un dios.
Por eso se vuelve tan importante tener en cuenta de que, al menos un 75 por ciento de los diálogos más importantes de la película – las declaraciones de principios, sobre todo y las cosas que resultan más brillantes a la oreja espectadora – son copy-paste de “El retrato de Dorian Grey”. Ahora, la combinación de esa obra maestra de la literatura ‘superficial’, con la parte más morbosa y arbitraria de la biografía de dos de las más grandes rockstars de la historia del S. XX es furiosamente peligrosa. Y lo mejor de todo eso: la cosa aprovechada que suelen destilar ciertas películas, ciertos directores, en ciertas producciones acá no se nota. Es puro fragor de purpurina.
Si “El Retrato de Dorian Grey” es un manifiesto sobre la belleza y el poder de su futilidad, la película también lo es. Todd Haynes no puso actores más hermosos porque les pidió que hagan fuerza pero no lo consiguieron. Aunque con Toni Colette estuvo flojo – hubiera podido poner a Angelina Jolie si era por linda; pero a Haynes se le pasaron por alto las chicas… una vez más – la presencia de Ewan McGregor – en una de sus apariciones más prodigiosamente voluptuosas – y la estampa de Jonathan Rhys Meyers como una especie de Marlene Dietrich del bajomundo gay inglés de los 70 hacen gran parte del trabajo en este film. Aunque no sería justo dejar atrás a Christian Bale, actor camaleónico y extraño si los hay, que, patetizado hasta el imposible logra una performance inmejorable para un personaje demasiado humano en ese mundo de seres rutilantes y dionisíacos.
La cuestión es poder evadir temas superficiales cuando hablamos de una película que, entre sus principales temas, tiene a la superficialidad misma. La belleza de McGregor y Rhys Meyers hace lo que una banda sonora espectacular hace a una mala película: el trabajo duro. Pero como en este caso se trata de una película ciertamente brillante, estaremos hablando de refuerzos: las siluetas desnudas de los dos astros y, efectivamente, la banda sonora que sangra toda la genialidad que se le pueden pedir a los salvajes setentas, hacen unos encantadores refuerzos.
Y si de superficialidad se trata no se puede dejar de decir, si se pretende ser más o menos justo, que el argumento es uno de los caprichos más insulsos que ha conocido el cine independiente hasta ahora: un muerto de hambre que se roba el talismán de la suerte de un personaje homosexual de su barrio y que gracias a él se convierte en una estrella pop, para así después conocer a un rockero del otro continente que lo enamora locamente y con el cual pretende cambiar el mundo; pero por el cual, finalmente termina por perderlo todo y… ¿aprender la lección?
No es mucho, si lo vemos de esta manera, pero la película es demasiado más que eso. Es el riesgo de darle vida a una de las voces más polémicas de la historia de la literatura, que ha planteado cuestiones que hoy en día – donde el dios de muchos se llama “cuerpo” – aún son urticantes de escuchar. Es sumarle a aquello una batería de canciones hechas por monstruos de este siglo (léase Thom Yorke, Brian Eno, Placebo, etc.) con la genialidad y el espíritu de una época que ya quedó muy atrás sin perder la oportunidad de reverenciar joyas de la música del momento (véase la estupenda versión de “Gimme Danger” de Iggy Pop a manos del multitalentoso Ewan McGregor). Es poder tener la posibilidad de ver una película que incluye una enorme batería de arriesgados recursos cinematográficos que la vuelven una delicia para el ojo aficionado y un perfecto material para el que quiera aprender más de cine y para que el que pretende abordarlo desde un lugar más activo, advierta que es posible repasar todos los peligros posibles en materia de realización y aún así crear un producto brillante y pretencioso, sin resignar ni una pizca de autenticidad.
Veintipiquito, inglés, nuevo, pop… en fin, una monada.
Hoy le dedico un rato a Patita, A.K.A. Patrick Wolf.
La manera en que lo descubrí es, a esta altura, dudosa… recuerdo que vi su foto por alguna parte en la web y dije… “Wow, mirá la pinta de este chabón!” y bueno…bajé la foto y me quedó en la compu – gracias a Dios – con el nombre incluído.
En la foto, el pibe tenía el pelo colorado furioso y un violín en la mano. Yo pensé que era una especie de Vanessa Mae occidental, que era violinista o algo así. La foto sólo dejaba ver eso…
Un día me grabo el nombre en la cabeza y salgo para el ciber. Escribo el nombre en You Tube (léase “Iutubí”) y bueno… aparece el video de “Wind in the Wires” del flaquito en cuestión.
El auricular se oía medio feo, viste? Pero lo que se podía deducir era: mucho glamour, una onda medio oscura – tal como los Depeche Mode o los Erasure sin el éxtasis ni el daiquiri rosado; una voz profunda, una melancolía medio sensaul medio chiquilina. Un caramelo.
El tema sonaba bueno.
Como en esa época no gozaba de los beneficios del internet en casa, o más o menos en casa (entiéndanlo de una vez… por eso es que no escribo! Vivo en una pensión en Capital Federal, no tengo garantía propietaria ni coraje para comprar una trucha!) y tuve que esperar a volver a Santa Fe para bajarme los discos.
Me bajé todos los discos y uno más. Uno de Remixes y rarezas.
Igual es bastante loco tener 24 años, tener 3 discos afuera, uno de remixes y (¡¡¡) rarezas (!!!) y NO SALIR EN MTV!!
Y llegué a la conclusión de que recontra vale la pena. Sip.
Después de leer parva sobre el pibe en Internet me dí cuenta de que el flaco es objeto de discusión en más de un ámbito artístico/(no) artístico. Que se peleó con Mika en su Myspace (bahhhh, quien no lo hubiera hecho)… alegando que Mika era una vagina y comparándolo con Enrique Iglesias. Después que el chico me sale en las revistas para chicas porque se viste re top y porque todavía nadie parece creerle cuando su cara grita desgarradoramente lo glamorosamente gay que se ve. Que se me enoja, porque le dicen “Baby Bowie”, que se enoja porque no le dicen nada. Que prefiere Estados Unidos, porque ahí “lo entienden”. Porque es más que un chico lindo, pero a la vez modela para no-se-qué marca.
Es una histérica. Un divinor y eso se trasluce en lo que importa: la música.
3 discos y uno de rarezas como dije.
El primero fue Lycantrophy, una obra maestra del beat ochentoso, nacido en el año 2000… El disco debut del nene lo encuentra en algún lugar entre la infancia y la adultez. Él mismo se cansa de hablar de la caída de su voz y hace, a la vez, del pop un lugar de rebeldía y enojo muy raro. Él mismo dijo, una vuelta que hacía pop porque hasta el espacio rockero se le antojaba como muy estereotipado… y, después de todo, razón tiene.
Wolf es el primero que me hizo pensar en eso: si hacés rock, sos rockero y si sos rockero sos de una determinada manera. Y, para vergüenza de todos – o por lo menos la mía de cabeza – sólo unos pocos hicieron rock a la manera que se les cantó y siguieron haciendo rock y siguieron siendo lo que se les cantaba ser: léase Bon Jovi, por ejemplo. Se que algunos lectores van a saltar como pequeñas langostas diciendo que eso no es rock ni es ser rockero; pero la realidad decanta por si misma. Bon Jovi tampoco era ni Enrique Iglesias, ni Mika… y claro está… tampoco era una vagina.
Patita tampoco, sino que se parece más a un híbrido entre Madonna, la susodicha Vanessa Mae y… no se… Morrisey o Ale Sergi, quien sabe. Pero es una dulzura encontrar canciones, por ejemplo, como lo es “Childcatcher”…
Dios! Si lees la letra de ese tema! Es un asco, es la cosa más falta de poesía y sutileza que te puedo recomendar que escuches, pero a la vez eso provee la delicia de darte cuenta de que este pibe esta completamente virgen (ojo! es una manera de decir) de cualquier cosa que pueda apestar en la música moderna. Las letras son viscerales, el ritmo es pegadizo, básico, rudo y las melodías – cuando se re copa con cualquiera de los 23 instrumentos que sabe tocar – es deliciosa, es dulce como la que incide en la imagen mental que tenemos de la hija más tierna de los Ingalls.
Wolf es una joyita, es un niño prodigio: es fiero, pero super adictivo. Hace pop para rockers, eso también es así. Su mensaje es un mensaje sanguíneo pero delicado y esto lo acerca mucho, mucho a la idea más bruta que tengo de la belleza. Y su música es una bestia hermosa: en definitiva una mixtura muy bien delineada de música electrónica y clásica; de influencias tipo Björk, Kronos Quartet, Erasure y Bowie. Una cosa muy elevada para lo que a pop se refiere hoy en día.
Demás está decir que Patrick Wolf te inspira setentismo británico a mansalva. No le faltan los brillos, ni el make up, ni los escándalos sobre plataformas. Hasta él mismo tiene las bolas rotas de tanto aparecer en revistas de moda para chicas en el Reino Unido. Por eso parece gustarle mucho más Estados Unidos, en el que – según mis propias investigaciones – es simplemente un raro-marica-inglés más… y nada más.
No busques en MTV, ni en MuchMusic, ni en Rock&Pop… ni siquiera en el video maní de ISat porque NO… LO… VAS… A… ENCONTRAR!!!
No aparece. El mejor medio para engancharlo visualmente es, obviamente iutubí, ya les dije.
Sus otros dos discos; el segundo: “Wind in the Wires” y el tercero “The Magic Position” son tan divinos como diferentes del primero. Parece que Patita creció de un momento para el otro y, raramente, el segundo disco se vuelve mucho más oscuro, más críptico, más profundo y más romántico que el primero… Y sin mencionar que, para sorpresa de todos, el tercero es pura luz y chingui-chingui… o más o menos. Por lo menos lo chillón del chico también trae de su mano la madurez musical. Eso no se duda. The Magic Position se da lujos pendejiles increibles; como Magpie, el tema que el nene canta con Marianne Faithfull (si la viejecilla que siniestramente hacía “Laaaaa-laaaa-laaaa-laralaaaa” en el tema “The memory remains” del Reloaded de Metallica y que no sé que historia tuvo con Mick Jagger 700 millones de años atrás cuando los dos eran de… mediana edad.) O como los riffs de violines, y el zapateo grotesco, y la sutil reminiscencia medio blusera de chica que canta retorciéndose sobre el piano de un oscuro y tufiento bar del bajo Londres (Enchanted, Augustine).
Menos melancólico que el hermoso y azulado “Wind in the Wires”, que fue un disco más pelotudito; para decirlo lisa y llanamente. Y aún así una obra musical preciosa y esperanzadora respecto de las pobres expectativas que siembra esta generación de jovenes en los ojos cerrados de las anteriores.
Fue pura casualidad la de hoy. Nadie nunca hubiera dicho que un día como hoy yo volviera a escribir en este blog.
Va a hacer casi un año que me mudé a vivir en Capital Federal y desde entonces no volví a escribir más en este blog. Pero guarda! NO TODO ES TAN MALO. En un sólo año debo haber visto como 50 películas y debo haber escuchado muchos discos nuevos y leído… algunas cosas.
Aparte de todo esto; tengo trabajo. Un laburo algo agotador pero que tiene un par de cosas interesantes, como por ejemplo: puedo acceder a internet. Y por lo tanto… algún día que no tenga taaaaaaanto laburo podré postear algo. Aunque se ve bastante difícil hacer grandes críticas durante tan poco tiempo.
En definitiva, si. No fue un año demasiado productivo a nivel cultural, digamos.
Igualmente esto es una especie de… como decirlo…? Nueva bienvenida (quizá!)
Por toda la gente que posteó y yo nunca me enteré: un brindis!
sabes: otra vez estoy borracho
aquí
escuchando a Tchaikovsky
en la radio.
por Dios, lo escuché 47 años
atrás
cuando era un escritor muerto de hambre
y aquí está
otra vez
y ahora soy un éxito menor como
escritor
y la muerte se pasea
por todos lados
en esta pieza
fumando mis cigarros
chupando de mi
vino
mientras Tchaik se abre camino
por su Patética,
que viaje ha sido
y la suerte que he tenido fue
porque lancé los dados
bien:
pasé hambre por mi arte, pasé hambre para
ganar 5 malditos minutos, 5 horas,
5 días-
sólo escribir la palabra
justa;
la fama, el dinero, no importaba
quería la palabra impresa
y ellos me querían en una perforadora,
una fábrica de producción
ellos querían que fuera un empleado de una
tienda de departamentos.bueno, la muerte dice, mientras se pasea,
te voy a agarrar de todas formas
no importa lo que hayas sido:
escritor, chofer de taxi, cafisho, carnicero,
paracaidista, te voy a
agarrar…está bien nena, le digochupemos juntos ahora
mientras la 1 a.m. se desliza a las 2
a.m. y
sólo ella conoce el
momento, pero he podido estafarla: tuve mis
5 malditos minutos
y mucho
más.
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El tomó vino toda la noche, aquel 28,
y seguía pensando en ella;
la manera en que caminaba y hablaba y amaba
la manera en que le dijo cosas que le parecían verdad,
pero no lo eran, y el conocía el color
de cada uno de sus vestidos,
y sus zapatos, el conocía la parada y la curva de cada taco,
tan bien como las piernas a las que le daban forma.
Y ella había salido otra vez cuando el llegó a casa, y
volvería con ese especial hedor, otra vez
y así fue.
Ella llegó como a las tres de la mañana
inmunda como un cerdo comemierda, y el agarró el cuchillo de carnicero
y ella gritó,
retrocediendo contra la pared de la pensión
todavía bella de algún modo,
a pesar de que el amor se esfumaba.
Ese vestido amarillo,
su favorito,
y ella gritó de nuevo.
Y él agarró el cuchillo
se desabrochó el cinto,
se arrancó la ropa delante de ella,
y se cortó las bolas.
Y las tuvo entre sus manos,
como nueces
y las dejó caer en el inodoro
y tiró la cadena.
y ella seguía gritando,
mientras la habitación se ponía roja
OH DIOS!
QUÉ HAS HECHO?
Y el se sentó ahí,
sosteniendo tres toallas entre las piernas
no importándole ya si ella se iba o se quedaba
si se vestía de amarillo o de verde
ni ninguna otra cosa.
Y mientras con una mano sostenía las toallas,
levantó la otra y se sirvió otro vino.
————————————
Definitivamente, uno de los mejores poemas que he leído LEJOS.
CRUEL, CRUEL Y DESGARRADORAMENTE CRUEL.
Una belleza, que te permite y te obliga a imaginarte CRUELMENTE al amor.
Como NADIE lo logra.
————————————-
Pero éste es, más o menos, Charles Bukowsky, un tipo (escritor) nacido el Alemania pero criado, crecido, vivido, cagado a palos y muerto en Los Ángeles, EEUU (se nota en lo que escribe, no?). Maltratado por el mundo entero, rechazado por la parte americana del mundo… esto es, así como así, lo que andaba haciendo para -segun él mismo- no mambearse por demás.
Y les quedo debiendo una buena research sobre Carlitos.
Hummm… una de las placas al comienzo de las películas dice “HBO Films”…. y tengo la leve sensación de que a esa misma placa la vi una de las últimas veces que fuí al cine: a ver Elephant, del mismo director.
En realidad esa no fue la última vez, pero si, una de las últimas.
Al parcer HBO le está produciendo las películas a Gus van Sant, director también de la bastante nueva “Last Days“… ooootra película del director, *inspirada* en hechos reales. Esto es *inspirarse* en hechos reales y reproducir en película sensible una versión libre de las cosas. Digamos, la misma fórmula que en Elephant… pero con mayor proyección comercial, eso sí.
Si en la oportunidad de Elephant, la excusa fue la masacre de Columbine; en esa oportunidad se trata de los últimos (4, 5… 20) días de Kurt Cobain, antes de su suicidio el 5 de Abril de 1994. Evidentemente van Sant se siente severamente atraído hacia esos momentos antes de la catástrofe, esos minutos que nadie ve, excepto los involucrados, pero a la vez; no parece que van Sant tenga los huevos suficientes como para mostrarle a todo el mundo su morbo en todo su esplendor. Los hiatos y las elipsis al momento de los bifes nunca se hace esperar y queda todo encubierto bien prolijamente en un manto de “Soy un rebelde, no te voy a mostrar lo que querés ver.”
Hasta hace un tiempo, van Sant solía darme una sensación de ser un buen director que, aparte de eso, dejaba muy bien impresa la huella de su personalidad y que sabía muy bien como cagarse en todos. Hoy ya no sé si seguir pensando lo mismo.
Hubo momentos, habiendo comparado las dos películas que pusieron a este director bien alto en el mainstream (o sea Elephant y la que hoy no ocupa), empiezo a sentir que la movida publicitaria que tuvieron estas dos películas, la forma en que se cuentan las historias, como se tratan los climax de las dos; no son más que señales de una mente excitada para conseguir la aprobación de las masas.
Suena demasiado maquiavélico, quizás, pero no puedo más que pensar así: los temas elegidos (será acaso su próxima película sobre el huracán Katrina? Tendremos que esperar mucho para ser su versión del 9-11?) y la repercusión que tienen los mismos – sobre todo – sobre la sociedad americana y también sobre el mundo; la forma de apelar a los mismos; o bien DONDE SE POSA EL FOCO DE LA CÁMARA DE VAN SANT!.
Lo más choto de toda esta historia, creo, es que toda esta movida esta tras una mascarada de cosa “indie” e “irreverente”. En una especie de afán de no dar el gusto para calzar bien ahí los cimientos de una estética que no se apoya en nada más que en la idea – o en la idea de dar la idea – de que “Esto no es cine hollywoodense”.
Las películas no son malas. Son muy HBO, por otro lado. Con una estética aséptica y despojada (no al punto de Romanek, pero casi), donde abundan los colores suaves y vivos, donde la imagen es tan nítida como las de las cámaras de Discovery Channel insertándose en el aparato digestivo de un cefalópodo (lo cual no ha de ser casualidad, por el dejo de una tonadita medio documental -que aporta sinceridad a su trauma -; firma indiscutible de van Sant en sus locas creaciones); las bandas sonoras suelen ser estupendas (bueh, la de Last Days, definitivamente lo es) y las películas están siempre apuntando a ese pulso cinematográfico tan famosamente europeo: el de la más delirante lentitud.
En Last Days, vemos a Michael Pitt (un rubio muy desagradable, desde mi punto de vista, que también trabajó en “Los Soñadores” de Bertolucci) cambiarse de ropa por lo menos 5 o 6 veces, cocinarse arroz con leche, esconderse, cruzar el bosque, cocinar otra vez, caminar por el bosque, ponerse un vestido, cocinar, esconderse, escuchar sin hablar, arroz con leche de nuevo, dormir, ponerse un abrigo, correr por el bosque. Y asi.
Hasta el ojo más educado en la vieja convención europea de hacer cine, dado un momento, empieza a clamar desesperadamente por escuchar a la escopeta de Cobain (o a ese personaje) suicidándolo; dando ya por sabido – gracias al ritmo de la película, su banda sonora (más bien orientado a los diálofos y la mínima cantidad de ellos presentes en la peli) las planos secuencia interminables, el idioma fundamental de la película basado en la exclusividad de los planos generales, casi - que seguuuuuro que nadie va a ver sangre… ni un poco, siquiera.
En mi caso, yo vi la película con Ella y Ella, justamente (estudiante de cine) está bastante acostumbrada a ver este tipo de filmes y – aunque no está acostumbrada a dormirse más tarde que la 1 a.M. – se me durmió luego del segundo tercio de la película esperando EL momentoy claro; creo que no vió la parte de la muerte porque estaba dormida y aunque el volúmen estaba alto; eso tampoco ayudó de mucho: de una escena a la otra el tipo ya estaba muerto y de no ser por conocer más o menos la historia de que a Cobain lo encontraron en un invernadero; nadie se daría cuenta de lo que está a punto de pasar en la película si no fuera porque vemos a Pitt (Michael, no Brad!) justamente… emmm… entrar a un invernadero.
Ahora, hasta acá está todo bien, dirán Uds. Hasta podrían ir ahora mismo a alquilarla. La película no tienen ningún final sorpresivo que yo les haya cagado en esta review ni nada terriblemente malo, como para que organicen un piquete contra van Sant, esto es así pero… ¡¿COMO PUDO HABER PASADO LO QUE AUN NO LES CONTÉ QUE PASO?!
Partamos de la base de que seguramente, van Sant es un tipo que conoce el negocio. Lo debe conocer muy bien… MUY BIEN como para arruinar así una película que – hasta el momento – daba como para verla, al menos; o daba como para tenerla en cuenta entre la interminable lista de cosas que mamaron vorazmente del fenómeno Nirvana (me extraña que se le haya atrasado tanto la fecha y que no la haya estrenado en Abril del 2004!).
Después de muerto y que ese señor X (o Gary Smith) lo encuentra hay UNA TOMA, LA TOMA de la película, donde se muestra a Pitt tirado, muerto en el piso y a otro Pitt, más transparentón en la imagen que se levanta desnudo del cuerpo del otro Pitt vestido y muerto – mira a su propio yo tirado en el piso y sube unas escaleras (to heaven?)… Cabe aclarar que es el almita que se va al cielo? La comparación con el tema de Zeppelin, estuvo demás?
Naaaaaaaah.
En fin… si quieren verla, veanlá. Yo no le doy mis votos.
Yo solía estudiar cine. Y a partir de esta premisa, ¿Cuántas veces uno ve una película que le hace pensar en por qué mierda no se le ocurrió a uno primero?
Bueno, “May” (o su traducción al castellano, que supuestamente vendría a ser “La cara del horror”) es uno de esos films.
La historia se resume a una pibita que de chiquita era vizca y la mamá la obligaba a usar un parche en el ojo al mejor estilo ‘piratas del caribe’ y por eso no pudo hacer amigos. La única amiga que pudo hacer fue una muñeca, que, para colmo de males, estaba adentro de una caja de vidrio. Un día unos guachos ciegos a los que se decide a entretener, le rompen la caja y la muñeca, entonces la piba se vuelve loca y la fórmula no difiere demasiado a la de “Psycho” de Hitchcock.
Lo curiosísimo es que, antes de eso la película es una especia de comedia romántica donde la protagonista te cae bien y te hace alentarla de vez en cuando en sus andanzas. Hasta que pasa eso de la muñeca que dije ahí arriba.
La chica se freakea de tal manera que ocupa los últimos 20 minutos de la historia en hacer de esa ternura de peli que estábamos viendo en un film de terror. O algo así.
La película tiene lo que tiene que tener: un romance, rechazo, un poco (o mucho) de gore (hay una mini peli dentro de la peli que se llama “Jack & Jill”, dirigida por Chris Sivertson (que ya dirigió películas como “The Lost” en 2005 – si, ya se… no la viste! Yo tampoco; pero lo que quise decir es que ese tipo es ya un director que ALGO dirigió), una linda actuación para lo que se puede pedir al personaje de May, una foto de la ostia que no deja de remontarte a esas cosas rococó que adornaban las mansiones de la gente adinerada del Siglo XIIX, una MUY BUENA banda sonora y demás cosas que hacen que la pelicula valga la pena para verla si querés ver algo lindo, pero que no valga la pena si queres ver muchas tripas y originales formas de hacer cagar a un tipo.
A eso hay que admitirlo, la película, para ser de terror es muy rosa, para ser romántica es muy creepy, para ser un drama es muy cómica, para ser una comedia es muy triste, y para ser puro entretenimiento, produce demasiadas cosas al verla. Por eso mismo creo que vale la pena alquilarla, conteniendo el vómito que produce su foto de tapa y su tagline y verla en algún momento…. una tarde lluviosa de domingo es lo que se recomienda.
PERO HAY ALGO MÁS:
Lo que más me gustó y lo que más me rompió las pelotas de esta película fue lo mucho que me remitió a mi propia película “Victoria”, pero sin la parte de la sangre. La cosa del personaje outsider, marginal; la historia funesta con mamá y papá, las enfermedades mentales, los finales trágicos, la falta de amigos, LA MUÑECA!!!… y hasta la estética sentí que el puto de McKee me la estaba robando o… por lo menos, me estaba mostrando que para que te paguen un montón de plata en Joligud para escribir y rodar una peli no hace falta ser McKee…. SÓLO BASTA CON SER YO!
‘Ta pronto.
Y ACA ABAJO, A PROPOSITO DE VICTORIA, ALGUNAS DE LAS POCAS FOTOS QUE PUDE RECUPERAR DE LA PELÍCULA, HASTA AHORA.
Velvet Goldmine, el tercer largometraje de Todd Haynes – el bien ponderado paladín del Queer Cinema – es mucho más que “la peli que demuestra que Bowie e Iggy Pop se tenían ganas en los setentas”, porque aunque se pueda decir que estamos frente a una biopic, no es de esas basadas en la biografía oficial de los sujetos sino más bien una versión libre de la supuesta vida de los sujetos… al mejor estilo van Sant.
Ahí viven los que más tarde serían los supuestos padres adoptivos del Oscar Wilde que, en la versión Haynes de la historia, es abandonado por quién sabe qué nave espacial rutilante y colorida en la puerta de esta casona triste en la grisácea Inglaterra de 1854. Y ahí quedaron las alusiones al susodicho… sin contar al nene en cuestión, que declara querer ser un ídolo pop en la escuela 5 o 6 años más tarde (téngase en cuenta que esos ídolos pop de Haynes son más bien estrellas de rock y que ser una estrella de rock en 1860 equivalía a ser escritor). 
Lo que acaban de decir